FERNANDO PÉREZ I Guitar

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¡Nuevo disco! Matteo Carcassi, 25 Etudes Mélodiques

Querid@s lectores: Con mucha ilusión os anuncio el lanzamiento de mi segundo disco, “Matteo Carcassi, 25 Etudes Mélodiques”. Fue grabado el pasado verano con una guitarra romántica construida por Lourdes Uncilla y encordada con Aquila Ambra 800. Nadie mejor para acercaros un poco más a este compositor y su música que el propio productor del disco, Hache Costa, quien tuvo la gentileza de escribir las notas a la primera edición en el libreto y que os transcribo aquí: “Matteo Carcassi (1792-1853) podría presumir hoy en día del dudoso valor de ser uno de los compositores clásico-románticos más infravalorados. Y es que, poseedor de un “pensamiento armónico” absolutamente avanzado en el tratamiento de la guitarra que solo alcanzará un parangón en la figura mucho más tardía de Heitor Villa-Lobos en pleno siglo XX (y toda vez que la tonalidad ya se ha disuelto), Carcassi es a menudo visto como un hermano menor de los grandes compositores guitarrísticos (aquellos como Sor, Coste o Giuliani incluso) precisamente por los rasgos estilísticos que son fruto directo del tiempo histórico en el que le tocó vivir: aquella concepción de base más acórdica, armónica y desde luego menos contrapuntística que la de muchos de sus compañeros y que en todo caso debería conseguir el efecto contrario del que consigue - ese escaso interés hacia un autor innovador que exploró como nadie en esta época el entender un instrumento polifónico como el suyo desde un óptica de funcionalidad en el acompañamiento de melodías. Visto desde esta perspectiva, la triste historia que le deparaba la posteridad a Carcassi solo se ve agravada por el desconocimiento (u omisión tácita) de los fundamentos técnicos en los que él mismo basó su propia obra concertística. Valga como ejemplo el hecho de que, si bien en su obra pedagógica “Méthode Complete Op.59” el autor recoge en una sistematización de carácter didáctico todos los procedimientos que le resultan indispensables en el arte de la ejecución, su obra inmediatamente posterior - este presente Op.60 que son los “25 Etudes Mélodiques” - son a menudo ejecutados de una manera absolutamente extraña a la técnica de su propio compositor. No se trata de considerar que la interpretación historicista tan en boga hoy en día sea la única necesaria y pertinente, pero lo cierto es que de alguna manera debería resultar inaceptable que los estudiantes de guitarra trabajen únicamente piezas como el Estudio Nº4 o el Nº7 con el objetivo de iniciarse en técnicas tales como el trémolo guitarrístico y un uso avanzado del dedo anular en un momento en el que dicha técnica todavía no se ha desarrollado (o, si bien uno no quiere afirmar tal cosa por precaución, sencillamente el autor la ignora por completo en su propio Méthode). Cuestiones dudosas que tal vez haya sido el momento de abordar, no con ese ánimo que siempre resulta excesivo de tratar de sentar precedente si únicamente con el objetivo de facilitar un registro sonoro que sea lo más fiel posible a la partitura original: tal vez esa interpretación historicista anteriormente aludida no deba ser la única opción, pero sí ha sido la escogida para el desarrollo del presente trabajo. Pocas son las ocasiones en las que uno puede escuchar a Carcassi tocado en el instrumento que le fue propio: esta Guitarra Romántica tan alejada, en ciertos aspectos, de la moderna guitarra del siglo XX. Una guitarra de un carácter decididamente más etéreo, más dulce, casi-arpístico, o, si se prefiere, poseedora de una menor tensión en las cuerdas; una guitarra cuyo funcionamiento requiere ciertamente de una mayor amabilidad física en el ataque, de un uso de las uñas menos invasivo pero también de una mayor claridad y habilidad en la exposición de las figuras melódicas. Una guitarra, a lo sumo, en la que el antiguo repertorio puede recobrar todo su sentido bajo la atenta escucha que unos oídos modernos podrán brindar a la cuidada interpretación de Fernando Pérez Fernández”.


Las uñas del guitarrista

En los instrumentos de cuerda pulsada antiguos , como la vihuela o la guitarra barroca, era posible tocar sin uñas en la mano derecha, ya que eran más pequeños y las cuerdas tenían muy poca tensión. Hoy en día, ningún guitarrista que se precie toca sin uñas largas en la mano derecha. Esto es debido a que las cuerdas tienen mucha más tensión que antiguamente y, a raíz del siempre polémico tema a lo largo de la historia sobre el dilema del sonido en la guitarra, está claro que se consigue un sonido más fuerte, profundo y preciso con uñas largas que sin ellas. Por lo tanto, debes empezar a pensar en dejar las uñas largas e ir trabajando sobre su forma y limado. A mi parecer, es uno de los puntos más complejos y con amplitud de soluciones que te puedes encontrar alrededor de la técnica guitarrística. Aquí van una serie de ideas: La experimentación con diferentes tipos de uña te ayudará a encontrar una solución óptima y personal sólo para ti. Existen muchos tipos de uñas, por lo que una solución única para todo el mundo no me parece válida. En cuanto a su longitud, la adecuada es que esté más o menos a nivel de yema o saliendo unos milímetros del dedo. Algo más larga ofrecería demasiada resistencia a la cuerda, con la siguiente pérdida de velocidad y problemas de posibles enganches. Sin embargo, la uña del pulgar, debido al ataque “hacia abajo” en vez de “para adentro” que hacen los otros dedos, debe estar un poco más larga, con el fin de agarrar bien la cuerda. El punto más controvertido es el de la forma. Acuérdate que no debemos pellizcar la cuerda, sino intentar que la uña sea una rampa sobre la que esa cuerda se deslice (técnica de mano derecha). Para eso, la primera zona sobre la que la cuerda tiene contacto con la uña, la izquierda del dedo, debería ser más corta y la zona derecha un poco más larga, manera con la que conseguimos la ansiada rampa. Uñas de David Russell Con todo esto ya tendríamos una forma y tamaño perfectos; sólo nos queda la ayuda de las limas. Éstas las puedes encontrar en cualquier tienda de cosmética y se usan principalmente de dos o tres grosores. Una fuerte, que será la que nos ayude a rebajar y dar forma a la uña y luego, progresivamente, iremos usando unas más finas para el pulido final, pasando la lima por la parte frontal, superior y debajo de la uña, con el fin de eliminar rugosidades que provocarían ruidos al tocar. Debido al desgaste de las uñas en su contacto con la cuerda, este último proceso puedes, y debes, repetirlo todas las veces que quieras a lo largo del estudio diario. Kit de uñas básico (gruesa BETTER 120/180, media OPI 100/180, fina 2000, cortaúñas) ¡Y eso es todo! Pero no te olvides: en el tema de la uñas, la experimentación es el mejor aliado y te ayudará a encontrar, después de mucho tiempo, la uña que mejor se adapte a ti. Una última cosa, ¡todo esto no es válido para las uñas de la mano izquierda! (o derecha si eres zurdo), es decir, las que tocan en el mástil. Deben estar lo más cortas posibles o te molestarán infinitamente al tocar. Así que, ya sabes: ¡compra también un cortaúñas! FpF @FernandoPerezF


10 libros imprescindibles que como intérprete de un instrumento musical debes leer

1.- Cage, John (2002). Silencio. Madrid: Árdora Ediciones. Este libro se construye como una sabia colección de partituras, de piezas literarias de alto voltaje, llenas de música, de humor, de inventiva, de fascinantes exploraciones sobre la naturaleza del azar. 2.- Ferguson, Howard (2003). La interpretación de los instrumentos de teclado. Del siglo XIV al XIX. Madrid: Alianza Editorial. Con profusión de ejemplos musicales y tablas explicativas, el libro ayuda a comprender mejor formas musicales antiguas, concebidas en muchos casos para instrumentos muy diferentes del piano moderno. 3.- Goldáraz Gaínza, J. Javier (2010). Afinación y temperamentos históricos. Madrid: Alianza Editorial. Guía histórica detallada y en su propio contexto de aquellos sistemas de afinación y temperamento que más éxito han tenido a lo largo de nuestra historia musical, algunos de los cuales están en uso hoy día. 4.- Harnoncourt, Nikolaus (2006). La música como discurso sonoro. Hacia una nueva comprensión de la música. Barcelona: Acantilado. Los textos aquí reunidos son una excelente compilación de treinta años de experiencia y reflexión en favor de una mejor comprensión de la música antigua, y muy particularmente la barroca. 5.- Harnoncourt, Nikolaus (2010). La música es más que las palabras. Madrid: Paidós. Los diálogos reunidos en este libro abordan el tema de la interpretación musical. En ellos, el director Nikolaus Harnoncourt analiza un amplio espectro de la música romántica y postromántica y comparte con el lector interesado las experiencias y reflexiones de su rica vida musical. 6.- Lawson, Colin; Stowel, Robin (2005). La interpretación histórica de la música. Madrid: Alianza Editorial. Este volumen está escrito para todos aquellos que están interesados en la interpretación histórica, ya sean intérpretes profesionales, estudiantes, melómanos y oyentes exigentes; aborda temas prácticos más que cuestiones teóricas y su presentación es más descriptiva que prescriptiva. 7.- Neuhaus, Heinrich (2004). El arte del piano. Madrid: Real Musical. Heinrich Neuhaus, promotor importantísimo de la escuela rusa, nos ofrece una visión altamente enriquecedora de lo que es fundamentalmente importante para el pianista y para el pedagogo. 8.- Stanislavski, Constantin (1999). La construcción del personaje. Madrid: Alianza Editorial. Este libro fue publicado póstumamente y el tratamiento de los temas que en él se abordan, da fe de la riqueza de experiencias, el talento didáctico y el sentido dramático del gran actor y director de escena. 9.- Stravinski, Ígor (2005). Crónicas de mi vida. Barcelona: Alba Editorial. En estas crónicas autobiográficas, escritas con gran rigor intelectual y sin sentimentalismos, el compositor rememora sus primeros recuerdos sonoros de infancia y toda su etapa de formación musical y artística hasta la composición de Perséfone. 10.- Stravinski, Ígor (2006). Poética musical. Barcelona: Acantilado. El lector hallará las ideas de Stravinski sobre la creación, la composición, la tipología y la ejecución musicales en un lenguaje preciso e incisivo, que hace de la lectura de este libro un auténtico placer. Fernando Pérez F. www.fernandoperezfernandez.com


Feel Past Fret. El tiempo pasa entre cuerdas

Feel Past Fret. El tiempo pasa entre cuerdas por Doce Notas | octubre 2, 2014 11:16 am No es muy habitual encontrar un registro de estas características en la actualidad como el que ofrece el cd Feel Past Fret. En un punto en el que la especialización es, sin duda, el camino escogido con mayor profusión por los instrumentistas, darse de bruces con un músico que se decida a grabar un álbum de este tipo es cosa bien rara. Y es que en la presente grabación se nos muestra música escrita para diversos instrumentos de cuerda pulsada a lo largo de la historia, de corte y carácter bien diferenciados. Desfilan por la grabación nada menos que 25 piezas de 8 compositores distintos, representantes de casi seis siglos de música, que son interpretadas cinco instrumentos diferentes. Los números, a priori, son realmente impactantes. El peso de la grabación lo llevan las obras de Luigi Legnani , guitarrista, constructor y compositor de piezas para el instrumento –además de un considerable tenor belcantista–, nacido en Ferrara, que ha sido uno de los mejores representantes de la guitarra en Italia durante el siglo XIX, y del que se interpretan algunos de sus 36 Capricci per tutti i tuoni, maggiori e minori per la Chitarra, Op. 20 –concretamente los números 1, 2, 3, 5, 9, 17, 27 y 30. Acude también a nosotros Francisco Tárrega , el célebre compositor y guitarrista villarrealense, del que se graban su famoso Capricho árabe, la mazurka Adelita y Lágrima. José Fernández Vide , compositor orensano emigrado a La Habana –que supone uno de los mejores casos para el estudio de los músicos españoles que emigraron durante el siglo XX, además de un notable caso de «nacionalismo gallego»–, está presente en el registro con sus Violetas, una serie de valses para dos guitarras, que aquí se graban en colaboración con el guitarrista gallego Xosé Antonio Rodríguez. Estas, junto a una serie de breves piezas para el estudio guitarrístico que no por dirigidas a la praxis más tecnificada están carentes de belleza– compuestas por el propio intérprete del disco–, el también gallego Fernando Pérez, suponen el corpus más amplio del álbum, sin duda quizá en el lenguaje que por su formación más cercano le es al protagonista de la presente grabación. Pero no habría recorrido histórico si se detuviese aquí. Y es que, contraponiendo estilo y carácter, se graban algunas piezas sustanciales en el desarrollo de la cuerda pulsada española desde el siglo XVI. Comenzando por Luys de Narváez , uno de nuestros grandes vihuelistas, del que se interpretan sus bien conocidas Diferencias sobre Guárdame las vacas y La canción del Emperador, extraídas de Los seys libros del Delphin de musica de cifras para tañer vihuela –concretamente de los libros III y VI respectivamente. Le siguen las también famosas Marionas de Francisco Guerau , guitarrista, compositor y cantante mallorquín, uno de los mejores maestros en el arte de tañer y componer para la guitarra española de cinco órdenes, como queda bien patente a través de su colección Poema harmónico compuesto de varias cifras por el temple de le guitarra española . Y por supuesto, no podía faltar en un recorrido así la figura de Gaspar Sanz , probablemente el autor español más importante en la historia de la guitarra española, quien en sus libros: Instrucción de música sobre la guitarra española y métodos de sus primeros rudimentos hasta tañerla con destreza , Libro segundo, de cifras sobre la guitarra española y Libro tercero de música de cifras sobre la guitarra española legó el patrimonio más sustancial para el instrumento en su historia. De él se graban aquí su Pasacalles y los Canarios, dos brillantes ejemplos de su talento para componer tanto al “punteado” como al “rasgueado”. El disco se cierra con la que es, posiblemente, la pieza para tiorba más célebre que existe, la Toccata arpeggiata, de Johannes Hieronymus Kapsperger , de origen alemán, pero trasladado posteriormente a Italia –donde era llamado Il Tedesco della tiorba–, que se extrae de su Libro I d’intavolatura di chitarone , y que se anticipa en más de un siglo al archiconocido Preludio nº. 1 del Das wohltemperierte Klavier en el desarrollo de arpegios sobre acordes dados. Las interpretaciones de Fernando Pérez se caracterizan por lo meditadas de las mismas, eligiendo unos tempi en general calmado que dejan respirar a la música y acercarse a ella de manera reflexiva –nótese especialmente en Kapsperger, pieza en la que es más habitual de lo deseable encontrar versiones desmedidas que complejizan la comprensión de las líneas de manera absurda. La adecuación estilística es muy notable, y pasa del Renacimiento al siglo XIX, del Barroco al XXI con soltura, marcando adecuadamente la esencia de cada período, sin caer en una homogeneidad sonora que hubiera resultado, a buen seguro, más fácil para él a la hora de grabar, pero mucho peor en el resultado final. Se emplea a fondo con cada instrumento. La sonoridad de los distintos modelos utilizados es siempre precisa y hermosa. Gran trabajo en la vihuela de mano, la guitarra barroca de cinco órdenes y la tiorba de catorce órdenes simples construidas por César Arias, así como en la guitarra clásico romántica de Lourdes Uncilla y la clásica de Francisco Santiago –alguno de ellos cedidos para la ocasión por David Morales Cuerdas Pulsadas. Como decimos, aunque quizá más cercano y cómodo en los repertorios del XIX y XX, el pulsista gallego se muestra ágil y muy capaz para abordar un repertorio tan complejo y específico como es el de la vihuela y la guitarra barroca –repertorio en el que, nos consta, está últimamente muy centrado. Un recorrido muy complejo, sin duda, pero del que sale muy bien proyectado, a pesar de su juventud y de tratarse de su primer registro discográfico. No todos los intérpretes podrían hacer lo que él hace, por lo tanto, ya es una razón de peso para sentirse satisfecho de lo realizado. Un acierto por parte de Itinerant Classics el dejarle su casa para que se estrene –sin olvidarnos, por supuesto, de todos los que con su donaciones a través de Verkami lo hicieron posible–, contando con la ayuda, siempre brillante, de The Recording Consort y Gerardo Tornero en la grabación y producción. Elegante edición, además, para un disco de amplio recorrido que presenta a un joven talento del que habrá que estar muy pendiente. URL origen: http://www.docenotas.com/118380/feel-past-fret-el-tiempo-pasa-entre-cuerdas/ Copyright ©2014 Doce Notas. ISSN 2174-8837


Next Release. October, 7th 2014. Two different versions of the celebrated score by Leo Brouwer. In two different 5-track-EP.

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Legnani I Capricci 15

Luigi Rinaldo Legnani (1790-1877), fue un virtuoso guitarrista. Ofreció numerosos recitales en casas reales y sociedades de conciertos y viajó por diversos países europeos. Con aproximadamente cincuenta años abandonó su carrera como concertista y se dedicó a la fabricación de guitarras, algunos de cuyos ejemplares aún se conservan hoy en día. Su producción es de un virtuosismo muy alto, entre la que destacan sus "36 Capricci per Tutti i Tuoni, Maggiori e Minori per la Chitarra Op.20”. El Capricci Nº 15  está escrito en la tonalidad de Si menor. Estructuralmente podemos distinguir en él tres partes claramente diferenciadas: un comienzo acórdico con enlaces en pasajes de pequeñas escalas (hasta el compás 23), una sección central escrita en tresillos de semicorchea, ligaduras y escalas (desde el compás 24 hasta el 51) y vuelta al tema inicial desde el compás 52 al final. La indicación de velocidad y carácter es Presto y si lo escucháis con partitura, veréis que opté por modificar el ritmo y la articulación de la sección central, al considerar que este cambio ayudaba a la fluidez del mismo (espero gratamente vuestras críticas y comentarios al respecto). La grabación se realizó en una habitación de mi casa con la ayuda de: · Guitarra Romántica construida por Benito Casais con cuerdas Aquila Ambra 800. · Cámara de vídeo Canon EOS 1100D. · Micrófono FAME Studio C03. · USB audio interface MOTU audio express. · Software Cubase. · Software iMovie. · Ordenador MacBook Pro. Puedes suscribirte a mi canal de Youtube en el siguiente enlace: · Youtube Gracias por leerme, ¡disfruta y comparte con amigos! FpF Músico I musician


25 DE XULLO, DÍA DE REBAIXAS!

Durante todo o venres 25 de xullo de 2014, día do Apóstolo en Galicia, aplicaremos un desconto do 25% nos nosos productos. Só tes que introducir, na túa cesta da compra, a palabra "apóstolo" na sección "aplicar cupón". Aplicable en todos os productos agás no "Pack Feel Past Fret", que tamén estreamos mañá e terá un prezo permanente de 25 €. Este pack inclúe o CD, libro, lápiz e póster. Disfruta do día festivo e non deixes pasar a oferta!


NUEVO LIBRO, ¡DESCARGA GRATUITA DE TRES PÁGINAS!

"Guitarra. Técnica e interpretación", libro para nivel elemental-profesional, tiene un contenido muy variado: por un lado están las hojas con explicaciones , apoyadas por ilustraciones; por otro las hojas con ejercicios técnicos y finalmente los siete estudios escritos por el propio Fernando. Ofrecemos aquí tres páginas en descarga gratuita como ejemplo de cada apartado. 1.- Mano izquierda. 2.- Ejercicios para mano derecha. 3.- Estudio VII Cotío de arpegio y ligados. FpF cuerda pulsada I plucked instruments


INTRODUCTION TO THE VIHUELA (1536-1575)

“So that, current musicians should make with their profession what sculptors, painters and architects did with theirs,  that is recovering the ancient arts; just in the same way as the writers saved the literature from the hell when it was released in the corrupt ages, in the same manner  sciences were explained with the object to be known in their pureness in these days”. Already the bishop Bernardo Cirillo showed the desire of the Renaissance people to rediscover  Roman and Greek cultures, an archetype which overwhelmed Europe during the XV and XVI centuries. Humanism period was born. The man was the core idea, the central concept for the very first time, not God. Step by step, the difference between human and divine would be more noticeable. Cristobal Colon was involved in his first overseas trip while Castilla and Aragon kingdoms joined together. The world was completely alive, high-spirited. However, music seemed to be quiet and calm inside the cathedrals, monasteries and royal chapels. The most appreciated musicians were under the Church protection, and they, embraced by the Humanism, tried to bring closer their music towards literary arts. Their music followed the speaking rhythm.  The main object was to create the image of the musician and the poet connected, the mutual expression need. Most of the music created in Spain during that age was produced with the most important instrument in that time: the vihuela, so similar to the present guitar. Music itself comes from the voice, the vocal and rhythm, the dance. Even so, music scene was curious and with experimental desire and all the composers wished to make the most of their instrumental music. Luys de Narváez is one of the seven musicians whose books have lasted  to these days. Los seis libros del delfín de música is dedicated to Francisco de los Cobos, Emperor Carlos I´s secretary. Narváez was at the service of them besides Felipe II, too. His Guárdame las vacas is the oldest printed variation style writing, that is, a repetitive model which is used as the main base of the work but appears slightly modified while the music makes progress. This is known as ostinato. Mille Regretz (Mil Pesares) or Canción del Emperador has exactly this name because it was one of the Carlos V favourite ones. The work is an adaptation of the original for four voices written by Josquin des Prez and it is completely reliable respect the original one. The lyrics says: "Mille regretz de vous abandonner Et d'eslonger vostre fache amoureuse, Jay si grand dueil et paine douloureuse, Quon me verra brief mes jours definer" FpF cuerda pulsada I plucked instruments


INTRODUCCIÓN A LA GUITARRA BARROCA (1600-1750)

De forma paulatina, el término "barroco" fue tomado para describir las tendencias exuberantes, decorativas y expresionistas de la pintura y arquitectura del siglo XVII, que lógicamente también se pasó al mundo de la música. En el marco histórico, es el momento de la colonización de América y de las monarquías absolutistas en Europa, sobre todo en Francia con los reyes Luis XIV, Luis XV y Luis XVI. También se produciría un gran desarrollo en la ciencia, con Galileo y Newton como estandartes. La música barroca se vio dominada, sobre todo, por actitudes italianas, que siempre fueron al frente de la cultura europea. Era una música muy abierta a la improvisación y  a los adornos que empleaban los cantantes. Nombres como los de Frescobaldi, Monteverdi, Scarlatti y Vivaldi son de sobra conocidos. Por el contrario, los músicos franceses, Lully, Couperin o Rameau, fueron creando un estilo propio que se oponía al italiano, buscaban algo más pomposo y sobrio. En Alemania la música comienza a desarrollarse en la segunda mitad del siglo bajo influencia italiana y nos dio nombres como los de Haendel o Bach. En la primera mitad, las artes estaban bastante desatendidas por culpa de la Guerra de los Treinta Años, que tuvo gran impacto en este país. La principal característica de la música barroca son los afectos, que intentaban simbolizar los sentimientos del hombre como la exaltación mística, la ira o el dolor. Nos encontramos así con música muy contrastante, tanto entre instrumento solista y orquesta como entre dinámicas fuerte y piano. Los compositores desarrollan el bajo continuo, que consiste en un bajo que sostiene la melodía junto con las demás voces de relleno, que solían tocarlas los intérpretes de clave, laúd o tiorba. La música instrumental cada vez imita menos a la vocal y la escritura para un medio concreto, voz o instrumento, empieza a ganar terreno. Gaspar Sanz nace en Salamanca y se traslada a Italia a estudiar música. En Nápoles fue organista de la Capilla Real y en su regreso a España publica Instrucción de música sobre la guitarra española, que contiene un amplio abanico de danzas, tanto punteadas como rasgueadas, característica intrínseca de la guitarra barroca. Pasacalle y Canarios son un ejemplo. La calidad musical del libro Poema Harmónico de Francisco Guerau es realmente sobresaliente. Contiene danzas variadas, entre las que se encuentran las Marionas y no incluye el estilo rasgueado, excepción entre los libros que se publicaron en el siglo XVII. Una de las características de Guerau es el desarrollo de la variación sobre temas sacados de todas estas danzas, como también muestra en las Marionas. FpF cuerda pulsada I plucked instruments


fernando perez ferandez
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